L'évolution de la représentation de la femme dans l'art.
La représentation des femmes évolue avec l’art, et l’art évolue avec l’Histoire.
En Grèce antique, et ce jusqu’au XVIIème siècle, la femme est seulement représentée de manière académique dans un monde mythologique.
Puis Goya, Vélasquez, Vermeer font évoluer l’art, et enfin arrivent les Impressionnistes qui voient la femme autrement.
Mais comment les descendants des impressionnistes ont continué cette évolution ? La bonne image de la femme n’existe pas, mais chaque artiste (masculin) en voit une différente.
Les deux images qui trônent de la femme au 20ème siècle, restent principalement les mêmes depuis toujours : la mère et l’érotisme. Même si un artiste chamboule un peu toute cette tradition de représentation : Jean-Gabriel Domergue.
Les femmes sont fécondes. Pendant des siècles, elles ont seulement existé pour donner naissance et s’occuper de ses enfants. On retrouve cette représentation chez certains artistes de la fin du 19ème et du début 20ème siècle. Klimt, par exemple, est appelé « le peintre des femmes ». Même s’il traduit la beauté de ses modèles de manière atypique, la femme est enfermée dans un décor mythologique, imaginaire, qui est symbole de fécondité. Quant à Picasso, la femme est fortement présente dans sa vie comme dans ses tableaux. Pour lui, elle est synonyme de famille, elle reste au foyer et protège son enfant.
Depuis l’antiquité, la femme est le symbole de la beauté et de l’érotisme. Le fauve Kees Van Dongen fait penser d’une certaine manière à Domergue dans leur vision de la beauté de la femme. Tous les deux la montrent fine, colorée, tout en buste, avec un fond neutre qui nous laisse imaginer l’histoire du modèle.
Le XXème siècle est marqué par la publicité et le développement des cosmétiques de beautés. Il s’en suit que la beauté traditionnelle académique est remise en question. La femme moderne est née. C’est là que Domergue intervient.
Les nus de Modigliani ont une sensualité qui est presque plus puissante que ceux de Domergue. Ses femmes ont plus de formes et il les entoure de son trait brun, ce qui accentue l’érotisme. Ses peintures de nus étaient autrefois critiquées de « pornographiques ».
Des artistes pervertissent la beauté. Les femmes de Hans Bellmer sont démembrées, parfois sans tête, complètement déformées. Jean Dubuffet les écrase sur sa toile, elles sont asexuées. Il ne s’intéresse pas au corps mais à son aspect psychologique.
Tout comme Domergue, Jean Béraud met en scène les femmes parisiennes de fin du 19ème, mais de manière très différente. Béraud les place dans un décor chic et moderne, et leur donne une part masculine dans leurs postures. Chez les deux peintres, on y retrouve les canons beauté de l’époque : taille fine, les coiffures incroyables, les grands chapeaux, le rouge à lèvre…
Les années 1920 sont synonymes de libération du corps, avec une mode vestimentaire innovatrice : la jupe se raccourcie et le corset disparaît.
C’et là que Domergue abandonne vite ses paysages et raffolent des femmes parisiennes. Durant ces années folles, l’artiste produit 3 000 portraits des ces nouvelles femmes. Il se dit même « créateur de la pin-up ».
Il est à noter que la femme est représentée par rapport aux autres et non pas pour elle-même. Il me semble que ceci n’est pas vrai pour Domergue. Ses nus et portraits nous donnent l’impression que la personne qui a le pouvoir est la femme. Avec ses positions dominantes et son regard hautain, on imagine le peintre complètement amoureux et asservi à ses créatures.
L’art et l’Histoire évoluent, tout comme la mode. Domergue peint des femmes très minces. Et aujourd’hui ? Niki de Saint Phalle trouve la beauté de la femme dans ses rondeurs.
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